来见见印度民间艺术最伟大的现代主义者

在艺术界诞生之前就有艺术家了。他们在洞穴里，在他们居住的小屋的墙壁和地板上留下自己的印记，通常以素描和绘画的形式。尽管他们使用的是最基本的工具，如树枝、刷子、天然染料和颜色，但他们自信的创作继续充当着我们真正是谁的线索。

印度民间艺术没有单一的故事。无论是来自马哈拉施特拉邦的古瓦里艺术的布满画布的几何形状，来自印度中部的Gond和Bhil艺术的令人眼花缭乱的虚线和点，还是来自东方的Madhubani和Kalighat艺术的有趣而精确的绘画，尽管有许多相互作用和相互联系，每种形式都有自己深厚的历史和词汇。

在上个世纪，工业用纸取代了泥墙和地板，成为了主要的画布，许多民间传统背后的神圣哲学也被纳入了这个国家现代化进程的宏大叙事中。许多人都是自学成才艺术家作为城市艺术市场的外地人，他们被迫从事日薪劳动。然而，有少数人经受住了时间的考验——有时是偶然的，有时是纯粹的意志——从根本上反对工业进步和艺术市场趋势的主流思想，并激励着今天的年轻一代艺术家。

在这里，我们向印度民间艺术中最伟大的现代派艺术家致敬。

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Sita和恒河Devi - Madhubani

马杜巴尼的妇女一直都在家里的墙壁上画画。然而，这些杰作在经历了一场地震后才被世界其他地方“发现”。那是1934年，英国政府公务员威廉·阿彻(William Archer)在勘察米蒂拉(Mithila，今比哈尔邦)地区地震造成的破坏时，偶然发现村民家中装饰密集的墙壁。他又惊又喜，仔细记录了他在文字和照片中看到的一切，这些文字和照片有助于对这种可以追溯到几个世纪以前的艺术形式的初步理解。或者就像这个故事说的那样:马杜巴尼的绘画诞生于古老文化地区米提拉的拉姆和西达的婚房，当时西达的父亲贾纳卡国王命令艺术家们为盛大的婚礼庆典装饰城市的每面墙，从kohbar ghar或为年轻的新娘和新郎建造的房间开始。

无题(杜尔加)，1970年代，西塔·黛维，天然颜料和纸上墨水。

艺术与摄影博物馆(MAP)，班加罗尔

几个世纪以来，随着这一传统的蓬勃发展，在20世纪60年代和70年代，Ganga Devi、Jamuna Devi和Sita Devi等艺术家开始被誉为Madhubani艺术的现代先驱。诺伊达阿南特美术馆馆长Amit Kumar Jain解释说:“他们是第一个将传统艺术形式从泥墙转移到纸上的人——由手织机工艺品出口公司提供——这种媒介使绘画故事得以在世界各地的展览和观众中传播。”尤其是西塔·黛维，她决心要代表她的社区，成为古印度艺术形式的代表，在日本、欧洲、苏联和美国的展览中代表印度。她推广了Madhubani绘画中独特的Bharni风格，其特点是在细线上使用大胆而明亮的颜色，神话和宗教人物——包括与她同名的米蒂拉的第一个女儿西塔——出现在优雅的拉长和丰富的色彩设置中。西塔·黛维和她的同时代人敢于走出家门，为马杜巴尼艺术的下一代女性和男性铺平了道路，他们中的许多人正在探索新的领域，以最神圣的表达方式解决性别、生态和当代政治的主题。

Ram Leela和Bada Ram Leela, 20世纪70年代，归功于Sita Devi，天然颜料和纸上墨水。

艺术与摄影博物馆(MAP)，班加罗尔

Bhuri Bai - Bhil艺术

Bhuri Bai是一个你永远不会忘记的女人。53岁的她带着一种平静的权威和自信站在那里，这是因为她认识了真实的自己。在她的内心深处，有一个情感和思想的宇宙，这些情感和思想在彩色的点和线中得到表达。1980年，在查尔斯·科雷亚(Charles Correa)设计的博帕尔巴拉特·巴万(Bharat Bhavan)建筑工地上，她遇到了艺术家兼作家J.斯瓦米纳坦(J. Swaminathan)，并在那里担任日薪工人，之后她发现了在纸和画布上绘画的乐趣。

无题，1980年代，布里·白，纸上海报颜色。

艺术与摄影博物馆(MAP)，班加罗尔

来自中央邦Pitol村的Bhuri Bai，从小就看到男性牧师和她的家人在泥墙上制作传统的pithora风格的仪式画。“这种形式的绘画是为神和神创作的，而且大多数是由被认为是艺术家的人画的，”Jain解释说，关于一个现实，Bhuri将在她的一生中推翻。“使用画笔很困难，”Bhuri后来承认，“但经过练习，一切都变得容易了。”如此简单，以至于她会继续创作一幅又一幅的画作，用浮动的抽象形状和创新的设计解放了Pithora传统的点缀景观。从树木、动物、鸟类到在大自然中玩耍的人类，Bhuri Bai展示了一个超越任何城市或天堂的世界。她的画现在挂在世界上一些最重要的博物馆和收藏中，包括一幅70英尺长的标志性壁画，在博帕尔中央邦部落博物馆，她讲述了自己的生活故事。在她的村庄里，Bhuri Bai一直在训练和培养女性，让她们在艺术中植入自己的故事，同时留下她独有的签名。

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Jivya Soma Mashe - Warli

Jivya Soma Mashe是印度最伟大的Warli艺术家之一，他也是一个农民，与他在马哈拉施特拉邦的家乡Ganjad的土地有着深刻的联系。对他来说，收获意味着整个世界，他必须亲自去收获。他的画作也颂扬了乡村生活的非凡之美和慷慨，将其复杂的事物转化为简单的几何形状和形式——这是他在很小的时候就掌握的技巧，当时他的母亲突然去世，他暂时无法说话，转而用手和棍子在泥土上画画，与他人交流，经常借鉴女性创作的沃里壁画的元素。在接下来的几年里，他不仅在扩大女性主导的民间艺术的古老仪式方面发挥了重要作用，而且还将其转变为当代的地位。从1971年被艺术家兼全印度手织委员会官员巴斯卡尔·库尔卡尼选中参加德里布拉格广场的民间艺术展览，到1973年在孟买的Chemould画廊(当时是M.F. Husain和S.H. Raza等进步艺术家的中心)举办个人画展，Mashe以自己思想的现代主义者的身份脱颖而出。无论是大型壁画，还是纸和画布上的作品，他的绘画都是自由和自然的，甚至在他的艺术中也欢迎丰收和季风。

《无题(钓鱼场景)》，C. 2017，吉维亚·索玛·马什，布料上的天然颜料。

艺术与摄影博物馆(MAP)，班加罗尔

他跨越个人和普遍的能力为他赢得了国际荣誉，例如2010年在巴黎Musée du Quai Branly举办的“其他印度大师”展览，也激发了他与英国著名土地艺术家理查德·朗的长期友谊和合作，理查德·朗曾访问并住在马什的村庄家中。“然而，尽管他名声大噪，他却没有去参加1984年在巴黎蓬皮杜中心举办的具有里程碑意义的‘地球魔术师’展览，这可能是他职业生涯中最重要的时刻，因为他必须收获他的庄稼，”贾恩在一段轶事中分享了这位艺术家的经历。最终，Mashe是这样一个人，他对地球的爱是他一生中最重要的，滋养着他的灵魂和艺术。

Kalighat

卡利加特绘画的历史不同于任何其他传统的印度艺术形式。卡利加特画最初是作为宗教纪念品，在19世纪被大规模生产，并在加尔各答卡利加特卡利寺的集市小巷出售给信徒和朝圣者，如今被称为“波普艺术”。“在19世纪早期，朝圣者从印度各地涌向加尔各答，但随着时间的推移，随着东印度公司和欧洲旅行者、艺术家和游客的到来，绘画的主题开始发生变化，”Jain解释说。

最初，帕图阿社区的艺术家们在20英尺长的卷轴上绘制了详细的印度史诗场景，后来演变成更小、更简化的素描和绘画，称为Kalighat pats，在磨纸上创作，很容易带回家。从用明亮、明亮的色彩和清晰的笔触对神和女神进行令人愉快的人性化描绘，到对孟加拉贵族先生和毕比斯的讽刺描绘，反映了腐败、贪婪和殖民政治的价值观变化，Kalighat拍提供了一个局内人的视角，了解当时加尔各答快速变化的国际化文化。性和孟加拉文化中不断变化的暗流成为一个反复出现的主题，通常带有幽默和讽刺的色彩——在反映一个穿着多蒂布的男人和一个妓女risqué会面的照片中可以看到，或者是渴望像英国人那样穿着和行为的暴发户先生的肖像。“虽然它广受喜爱，但卡利加特绘画的历史很短暂，”Jain补充说，“它消失的速度几乎和19世纪末新闻纸问世后出现的速度一样快。”然而，尽管作为一种街头艺术形式已经衰落，卡利加特的绘画仍然鼓舞人心、逗人发笑，它的流行艺术美学和智慧随处可见——无论是在像贾米尼·罗伊和拉鲁·普拉萨德·肖这样的艺术家的画作中，还是在杜尔加·普贾潘达尔的精美画像中。

Jangarh Singh Shyam - Gond

如果不提到Jangarh Singh Shyam，现代印度民间艺术的故事是不完整的。他是来自中央邦中部帕坦加尔的普拉丹-冈德部落的先锋艺术家、笛子手和画家，是第一个上升到伟大艺术家标准的土著艺术家，吸引了与他擦肩而过的城市出身的同行的关注，有时甚至是嫉妒。以他非凡的命令行,形式,和颜色,他长大绘画贡德人神话和传说村庄房屋的墙壁上耀眼的细节和颜色,包括他的小森林小屋引起了艺术家和活动家的眼睛j . Swaminathan鼓励Shyam搬到附近的博帕尔资本和生活和成长在新时代的机构,作为一个艺术家巴拉特餐馆,旨在将传统艺术,文化,和社区到城市的聚光灯下。“当我第一次用画笔蘸上明亮的海报色彩时，全身都在颤抖，”希亚姆接着说了一句著名的话，表达了使用新的现代主义材料和技术工作的兴奋之情。

桑巴拉的湮灭(《野猪的湮灭:冈德史诗中的轶事》)，1992年，江格尔·辛格·希亚姆，海报彩色纸。

艺术与摄影博物馆(MAP)，班加罗尔

他将继续创作大量作品，牢牢抓住只能被称为灵感的东西，并发展出一种高度实验性的视觉语言，这就是后来被称为羌加尔·卡拉姆的视觉语言。“扬加尔在很多方面都是一位现代主义者，”贾恩说，并指出，“他不断地进行实验，包括丝网版画和版画。像今天的许多艺术家一样，随着他(资历)的增长，他雇佣并指导了一个由冈德部落的年轻艺术家和家庭成员组成的工作室。”然而，他的崛起和衰落是齐头并进的。

Ajgar (Python)， 1992Jangarh Singh Shyam，纸上颜料。

艺术与摄影博物馆(MAP)，班加罗尔

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随着时代的变化、需求的增长和市场的力量，他的名声的种子传遍了伦敦、巴黎和东京，他与冈德的世界渐行渐远。直到2001年，在日本密提拉博物馆(Mithila Museum)实习期间，他不幸自杀。希亚姆对印度艺术的影响既来自他自己画笔的力量，也来自他的遗产，越来越多的冈德、民间和当代印度艺术家追随他的脚步，将他的遗产发扬光大。他的实验精神和狂野的审美敏感性在印度艺术史上熠熠生辉，冈德艺术的音乐继续为我们许多人大声歌唱。

20世纪80年代中期，羚羊的肖像，Jangarh Singh Shyam，纸上颜料。

艺术与摄影博物馆(MAP)，班加罗尔